D2012

http://discos2013.tumblr.com

Sat, 05 Jan 2013 11:11:08 -0300

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Macaco Bong - This Is Rolê Aca.

Wed, 28 Nov 2012 13:11:18 -0300

Macaco Bong - This Is Rolê

Aca.

La Perla Irregular - America - Oriundos de: Buenos Aires,...

Sat, 03 Nov 2012 16:49:00 -0300

La Perla Irregular - America

Oriundos de: Buenos Aires, Argentina.

Rockean desde: ????.

Otros Discos: La Perla Irregular (2008), La Novena Utopia (2009), Rafael (2010).

El disco en 6935 caracteres por Emmanuel Patrone:

“¿Conocés a Nick Garrie?”, interroga Pablo Vidal, cantante, guitarrista y compositor de La Perla Irregular. Pone un CD en su equipo de música y su departamento se inunda de una afable orquesta de cuerdas, guitarras acústicas y la voz del malogrado intérprete, quien –y así cuenta su trágica y curiosa historia- luego de que su representante se suicidara, vio cómo la distribución de dicho álbum (The Nightmare of JB Stanislas) se halló en un camino sin salida, hasta que hace unos escasos años su legado fue afortunadamente redescubierto.

Esa fascinación por todas las cosas barrocas (el nombre La Perla Irregular justamente nace de la etimología del la palabra “barroco”) y de naturaleza sesentosa (una copia de Bringing It All Back Home deDylan también descansaba sobre el equipo de música de Vidal), es una de las más notorias propiedades de La Perla Irregular, quienes, en el día de la primavera de este año presentaron al mundo su nuevo álbum, el cuarto, titulado América, el cual se puede descargar gratuitamente desde su página de Bandcamp y que pronto tendrá su versión física, en una caja de 18×18 cm, casi emulando un minivinilo.

“Tuve un par de años muy prolíficos, entre los 19 y los 20 años, en las que compuse unas 100 canciones, y casi todos están en los tres primeros discos de la banda Entonces, siempre trabajaba con una reserva de canciones.”, relata Vidal, responsable directo del sonido de la agrupación, sobre el proceso de composición de América.“Cuando terminó Rafael (el tercer disco de La Perla Irregular), ya había agotado todas las canciones buenas que había compuesto en aquel momento y tampoco se me ocurría nada nuevo. Entonces me senté y empecé a componer de vuelta, a sacar ideas, hasta que de repente me di cuenta que había hecho un montón de canciones. Agarré 15 que me encantaron y empecé a perfeccionarlos y arreglarlos”.

En noviembre de 2011, Vidal se juntó con el baterista del grupo,Marcos Fernández e iniciaron a ensayar los temas que compondrían el próximo disco. “Comenzamos a sacar la rítmica de los temas, el groove. Yo ya tenía una idea de cómo iba a encarar cada tema, si iba a ser soulero, rockero o más íntimo. Cuando me junté a ensayar con él, se terminó de cerrar la onda que iba a tener cada canción”, cuenta Vidal. Ya con las baterías grabadas, pasaron inmediatamente a grabar el resto de los instrumentos: pianos, guitarras (“Tenía la intención de usar la cantidad mínima indispensable de guitarras para este disco, para que hubiese lugar para otros instrumentos”, confiesa el músico), cuerdas, vientos y bajos, que terminaron de configurar el maquillaje sonoro de América.

Las voces fueron lo último en grabarse, porque hasta ese momento se había mantenido la particular metodología de composición de Vidal de cantar un idioma inventado, “una mezcla de inglés y español sin sentido”, en el lugar de la melodía vocal. Explica el líder de La Perla:“Todavía faltaban las letras. Había una que otra, pero hasta la mitad. Entonces, hubo un mes y medio de hacer letras nada más”.

Sin embargo, no hubo improvisación en cuanto al plano estrictamente lírico. “Los temas ya tenían títulos, a pesar de no tener letras”, afirma Vidal. “Al tener los títulos, tenía también una idea de lo que iba a tratar cada letra, aunque no estaba el desarrollo. Laburaba con varias en simultáneo, agarraba una, seguía con otra. Entonces por eso me parece que todos terminan formando una único gran relato”. En este proceso de escritura, aparecen también referencias intertextuales, como se puede apreciar en el segundo track deAmerica, Nosotros los monos, que cita el título de una película argentina de los 70’s del mismo nombre.

América es, a grandes rasgos, un disco conceptual. Desde lo musical, el pop suntuoso, orquestado, lleno de idas y vueltas, cambios de tiempo y ritmos y estructuras impredecibles es la moneda corriente que circula por la mayor parte del álbum, salvo el breve track instrumental, Descanso vs. El amor de las ninfas, en la que, mediante un órgano y un moog deforme, autocitan un fragmento de la melodía de Descanso, tema de cierre de Rafael. “El silencio es acción” canta Vidal en Nosotros los monos, y justamente el silencio es una parte importante del álbum, mediando entre varios pasajes de una misma canción. Al respecto a este punto, cuenta el músico: “El silencio también es música. Ahí también aparecen ansiedades, tensiones, y para mí no es algo que se use mucho en la música actual en general”.

Los muchachos de La Perla Irregular ya están pensando en llevar la majestuosidad sonora de América al vivo, con formación de banda de rock acompañada por un cuarteto de cuerdas y un trío de vientos. Saben que no será nada fácil, pero la decisión ya está firmemente tomada: “Estamos pensando en hacer los primeros shows en diciembre, pero lo más probable es que comencemos en marzo del año que viene. La intención es realizar pocos recitales, largos, con esa cosa más barroca, más suntuosa”.

Aparte de lo musical, América es un disco con una fuerte impronta conceptual desde el ámbito temático. “Para mí, América es un espacio construido que significa lo barroco”, amplía Vidal. “El exceso de emociones, de sensaciones, de ideas, todas entrecruzadas y en choque, en una crisis constante que genera múltiples sentidos. Lo americano es eso, se construye desde muchos lados. Los inmigrantes, los que ya estaban acá, lo popular, lo intelectual… está todo en choque, como en un ring. Pero también es un lugar donde todos estamos contenidos y formamos un gran colectivo. Donde, más allá de tener puntos de vistas diferentes, también podemos convivir. Una especie de caos organizado”.

En América, esa “especie de caos organizado” que describe Vidal también puede oírse cristalinamente, donde la instrumentación suculenta da lugar a numerosos sonidos en constante riña, pero, a la vez, construyendo un producto orgánico, aunque desafiante y difícil de aprehender. Lo cual, según Vidal, era la intención: “Quería que se combata lo redundante, lo obvio, solamente por el hecho de jugar, de divertirme a la hora de componer y de generar una identidad de la obra. Siempre tuve la idea, al empezar a hacer este disco, de que América iba a ser un cierre de una etapa de los cuatro discos de La Perla, y en el que se sintetiza lo que hicimos en los tres trabajos anteriores, exponenciado, llevado al extremo. Por la cantidad de capas que se van superponiendo, creo que es el más barroco de todos: el más cargado, el más difícil de digerir”.

Y así uno lo puede confirmar escuchando el flamante cuarto disco deLa Perla Irregular: en una hora de duración, la banda expone sus conocidas obsesiones musicales hasta su frontera máxima, dejando un álbum que requiere de varias escuchas para aferrar cada instante que transcurre en él. El esfuerzo no será en vano: América está, sin lugar a dudas, entre los lanzamientos imperdibles del año en el rock independiente nacional.

Duración total del disco: 63 minutos // Cantidad de temas: 15.

Puntaje: 7 // Temón: Ella te ama (la mujer nueva).

Link: La perla es el camino.

Soltero - 1943 - Oriundos de: Boston, USA. Rockean desde:...

Wed, 31 Oct 2012 11:18:00 -0300

Soltero - 1943

Oriundos de: Boston, USA.

Rockean desde: 2001.

Otros Discos: Science Will Figure You Out (2001), Defrocked And Kicking The Habit (2003), The Tongues You Have Tied (2004), Hell Train (2005), You’re No Dream (2008).

El disco en 968 caracteres:

Y bueno, la verdad que estoy con mil cosas y se me complico postear en este blog que supo ser lindo. Planeo revivirlo lentamente y postear al menos un disco por semana hasta que finalice (si las precicciones mayas nos dejan) el año y me pareció inteligente (y marketinero, obvio) retomar estos posteos con un disco de mi sello: Cincope Records.

El disco que les traigo hoy se trata del sexto disco de la carrera de Soltero, el proyecto de Tim Howard ~~el arquero de la seleccion de Estados Unidos (?)~~ un cantautor que actualmente reside en Brooklyn y la debe estar pasando bomba con el huracán Sandy.

Si bien el proyecto tuvo diversas formaciones como quintetos, cuartetos y hasta dúos acústicos en este disco se escucha un folk muy bello y simple lleno de hermosas melodias y algunas letras que juegan brevemente con el español ya que Tim lo habla perfecto.

Se los recomiendo, asi lo van conociendo y después ~~me entregan todo su puto dinero~~ lo compran, lindus <3.

Duración total del disco: 39 minutos // Cantidad de temas: 12.

Puntaje: 7 // Temón: Mercenary Heart.

Link: Me auto pirateo una banda, soy un boludo (?).

demidiscoteca: El Ten ElevenTransitionsFake Record Label,...

Mon, 15 Oct 2012 16:37:00 -0300

demidiscoteca:

El Ten Eleven
Transitions
Fake Record Label, 2012
320 kbps. | 81 MB aprox.

¿Sabés lo que me preguntan mucho por la calle? La gente, cuando voy caminando, me intercepta, me persigue al grito pelado; viene corriendo desde la esquina y, en el peor momento de su jadeo, en el instante preciso de la hiperventilación, alcanza a musitar las por mí temidas palabras: “eh, amigo, ¿qué pasó con los discos de este año? No te gusta nada, al final”. He aquí, entonces, la explicación que intento darles. Digo intento porque obviamente nunca acabo de explicarlo, más bien me piden una moneda para la birra a los pocos minutos y se alejan tal como vinieron. Pero igualmente yo, como siempre, voy contra la corriente en un esfuerzo como los de siempre, de embolarlos a todos con una historia que no le importa a nadie pero igualmente contaré sólo porque me cabe esto de desperdiciar centimetraje. Lo que les digo es lo siguiente: vivimos en una era en la que lo que prima es la dispersión de la atención. La sobreinformación devenida del auge de internet generó que la cantidad de álbumes por año -que usualmente es inmensa- se haya acrecentado diametralmente. Esto tiene un efecto dual: por un lado, favorece el surgimiento de nuevas propuestas, de bandas jóvenes a las que antes les costaba muchísimo editar un disco y que hoy sólo tienen que grabarlo y luego subirlo a internet para, con la posterior autopublicidad (otro mal de nuestros tiempos de redes sociales donde todos son su propio agente de prensa) facilitarse la atención de un público cada vez más ávido de cosas, cosas y más cosas con que llenar su tiempo, su ocio, su mente. Pero por el otro, causa que cada vez sea más difícil prestarle la atención individual que merece cada disco nuevo que llega a nuestros oídos, simplemente porque son muchísimos y no alcanza el tiempo para todos ellos. Antes, cuando la red de redes no nos plagaba de material, de nuevas bandas a las que hay que escuchar y de discos que son recomendados por una parva de medios online con loas que sugieren que allí está la gran revolución de nuestros tiempos, solíamos tomarnos el tiempo de bucear entre viejas historias y cada tanto aparecía una nueva por contar, a la que (claro) le tomábamos cariño y la extrapolábamos a nuestro contexto. He allí el mal de hoy: no sólo tenemos una superpoblación de bandas y discos novedosos traídos por blogs ad hoc, sino que cada uno de ellos es traído a nuestras vidas como la revolución por venir. Las carreras de los grupos, a la manera de lo que ocurre con las páginas de internet que miramos y luego cerramos con la poca atención que merecen si las comparamos con, digamos, un clásico de la literatura, son cada vez más efímeras y, como la uróboros, terminan mordiendo su propia cola. Somos testigos de la génesis, el cénit, el declive y el final de decenas, sino cientos de bandas que aparecen como una bellísima estrella fugaz y mueren implosionando sobre la propia imagen que de ellos han creado los medios que en busca de los salvadores del rock (como si el rock necesitara salvadores…) incendian pibes como DT de club grande en crisis. Puesto así parece un panorama extremadamente aciago, ¿verdad? Bueno, de alguna manera lo es. Lo es porque esta década no ha logrado hallar el centro, a contramano de lo que pasó incluso en la pasada, en la que -por más dudas que tengamos sobre la valía de las propuestas de tipos como los Strokes o los White Stripes, que sabemos que no inventaron nada- existieron pequeños faros de dirección que nos guiaban hacia otras propuestas adyacentes (por sello, por género, por afinidad) hacia el descubrimiento de alguna que otra bandita que nos agradara, al menos hasta que se aburrieran de lo que hacían y desaparecieran inexorablemente. Efectivamente, amigos, estoy reivindicando la existencia de las superestrellas, los símbolos de una era. ¿Qué hubiese sido de los ‘60 sin Dylan y los Beatles, de los ‘70 sin Zeppelin y los Stones, de los ‘80 sin… Qué hubiese sido de los ‘60 y los ‘70? (?) Esos tipos, guste o no, marcaban tendencia y ayudaban a otros artistas a vehiculizar sus intenciones, las que quizás todavía no habían definido bien, hacia un mejor lugar. Fíjense la carrera de los Byrds, quienes evolucionaron de las hermosas versiones del gran Bob de sus inicios a la psicodelia inducida por los Fab Four para desde allí construir una carrera en su propia grandeza, y verán a lo que me refiero. Porque además, ya no apelando a trayectorias individuales, estos grandes nombres que mencioné funcionaron como un gran termómetro colectivo, un -en las palabras del evangelio según Mateo (!)- segni dei tempi (señal de los tiempos) un parangón a través del cual se comprende toda una era por su estética, ética y obra artística. Gracias, entonces, a la existencia de esos antecedentes, es que cualquiera que se interese por la música de una era puede rápidamente darse a la identificación de sus antecedentes (tan rápido, claro, como se pueda antes de incurrir en una profundización) y eso no es poco. Las imágenes icónicas, que se suman a la música, son piezas fundamentales de la historia ya no sólo de las artes sino del mundo. Quizás estamos siendo algo injustos con la música de nuestros días, eso es algo atendible. No es lo mismo tener sobre sí cuarenta años de historia que apenas diez. Pero, ¿no debería aquello darle una ventaja a las bandas de hoy? Allí es donde entra a tallar otro componente en este intríngulis (?). ¿Por qué recordamos tanto los discos de los ‘60 y ‘70 y olvidamos tan rápidamente los de nuestro tiempo? Bueno, parece que nosotros también somos una uróboros, pues la extensión de nuestro argumento nos trajo nuevamente hacia el principio: porque tenemos una sobreexigencia de nuestra atención y de nuestra memoria, que sin un eje direccional no sabe hacia dónde disparar. Todos sabemos que el exceso de libertad, el libertinaje, es tan malo como su ausencia, y he allí el punto, el quid de la cuestión. ¿Qué hacer, entonces, respecto a esta situación aciaga? Curiosamente, la situación parece ser similar a la que vivimos cuando vamos a una disquería (los que todavía vamos) a elegir álbumes por sus portadas -o los nombres de la banda o el disco o las canciones, o similares factores aleatorios- antes que por sus contenidos: confiar en nuestros sentidos, en lo que nos genera cierto material antes de que en lo que nos digan respecto a ello. No existe la necesidad de ser omnisciente, de conocerlo todo. Basta con aventurarse a conocer de entre lo mucho que hay y tomar la (hoy corajuda) decisión individual y personal de elegir lo que más nos gusta y quedarnos, desde hoy y para siempre, con ello. Por eso hoy les presentaré, a contramano de lo que los medios les cuentan, un disco que me gustó mucho a mí de entre los miles que salieron en este 2012. Pueden tomar mi recomendación o no, ese es el libre albedrío, pero sepan que este camino -el de decidir qué es lo mejor de lo de hoy- es uno que tienen que tomar ustedes mismos, sin dejarse guiar por nada ni por nadie. Tengan conciencia de la naturaleza efímera de las obras que se producen en nuestros días y decidan de entre ellas lo que quieran eternizar como suyo. Eso es lo único que puedo sugerirles. ¿Ven por qué la gente en la calle se va aburrida antes de que termine de hablar? (?)

En fin, antes de comenzar a recorrer la historia que nos convoca, se impone un descargo. La semana pasada, en la misma columna que hoy (o sea, el mismo día) les presenté un álbum que, además de ser una joya y un mojón en esto de la violencia sónica, es una de las grabaciones claves de un género (mal) llamado math rock. En aquella ocasión, que pueden revisar apenas mirando un par de posts atrás, les conté que esa etiqueta refería a un manejo particular de los tempos y las rítmicas, de los cortes y los riffs, en canciones mayormente instrumentales. También les dije, y a esto quería llegar, que aquel nombre es bastante despreciado especialmente en el ámbito de las bandas que son incluidas caprichosamente en el género. Sucede que suena, casi, a una cargada, un chiste, hablar de quienes tocan sus instrumentos atendiendo a estas particularidades como si fuesen nerds, sólo estudiosos de ritmos sin noción alguna de musicalidad. Por eso, esta gente detesta que se los llame así, y con toda justicia. Bueno, les menciono esto porque precisamente los muchachos que forman la banda que hoy nos ocupa son unos de estos que reniegan de la etiqueta activamente, aunque sus trabajos puedan ponerse en esa clasificación si se los analiza algo detenidamente. Así que sepan hoy que hablaremos de lo que antes se llamaba math rock, una movida a la que hoy denominaremos rock experimental. Pero a no creer que lo que les traemos es un clon de Hella, no mis amigos. La banda que nos ocupa en este momento es un exponente más del amplio mundo de la música que se hace sin pensar en límites o fronteras más que para tratar de manipularlas en pos de favorecer la innovación. Se trata de un propósito loable, por supuesto, y que los lleva por una cantidad de caminos muy bifurcados incluso entre los que se pueden enmarcar en un mismo género. La historia del grupo que descubriremos juntos hoy comienza hace menos de diez años, en 2003, en la popular y populosa ciudad de Los Angeles, California. El bajista Kristian Dunn, angelino que había tocado en los ‘90 en una popular banda indie llamada Inch, conoció al baterista Tim Fogarty a través de un grupo que era parte de la lista de artistas de Ultimatum Records, discográfica para la que estaba trabajando a comienzos de la década pasada. Esa banda se llamaba The Incredible Moses Leroy, y Fogarty había llegado a ella después de mudarse desde Pittsburgh a Los Angeles en 1997. En este grupo, que tuvo que rebautizarse como The Soft Lightes (y aún hoy sigue activo), Tim y Kristian comenzaron a cultivar una gran amistad a través de la cual compartieron su afición por la música electrónica y sus variantes más experimentales, gusto que pudieron darse, en un principio, en un proyecto paralelo de cuarteto con dos bateristas que no prosperó. Allí sí, a la manera de Hella, se dieron cuenta de que quizás no tendrían la aceptación de otros músicos y decidieron armar una banda (o dúo, mejor dicho) propia. Esa banda se cristalizó, como decíamos, en 2003 y le pusieron, como una humorada, El Ten Eleven, nombre que tomaron del avión Lockheed L-1011. Allí, Dunn colaboraría con un instrumento peculiar -una guitarra de doble cuello que incluye un bajo- una Carvin modelo 1977 y Fogarty traería una mezcla de equipamiento que incluye baterías electrónicas y acústicas. A partir de esta mixtura tan particular, la música de El Ten Eleven se percibe más orgánica que la de algunos exponentes electrónicos del math rock (Tortoise, por caso) y también expansiva, etérea, sumando también un componente melódico del que muchos grupos, más concentrados en la fase experimental, carecen. Esto los hace particularmente atractivos tanto para quienes gustan de lo más aventurado y arrojadizo como para aquellos que prefieren el buen gusto melódico y la simpleza de un instrumental bien tocado. Ah, claro, porque eso me faltó decirles: se trata de un grupo instrumental en el que los sintetizadores (tocados por Fogarty) y las baterías electrónicas toman la posta por las letras y las voces, acarreando gran parte del peso del formato canción y permitiendo en el ínterin el vuelo del resto de los (pocos) componentes del tema. Se trata de una propuesta arriesgada, difícil de catalogar por sus reminiscencias de synthpop ochentoso y ambient, que estos pibes han ido perfeccionando disco a disco. Su primer lanzamiento, ampliamente laudado en su momento por la prensa especializada, se dio en 2004 por el sello que ellos mismos armaron para que su música llegara sin intermediarios a quienes quisieran escucharla, Fake Record Label, y se llamó como el grupo, El Ten Eleven. Elogiado por su minimalismo y su musicalidad, este álbum dio camino a una mayor exposición para el dúo que comenzó, lenta pero progresivamente, a salir de su Los Angeles natal hacia nuevos destinos y nuevas aventuras. La más importante de ellas se dio en 2007 cuando a partir de la invitación del director Gary Hustwit, Kristian Dunn compuso la música del interesante documental sobre la historia de la tipografía Helvetica y, claro, trajo a su amigo Tim para completar el soundtrack. A partir de esta particular misión, El Ten Eleven prohijaría su segundo álbum, Every Direction Is North, también en 2007. Con un enfoque mayor en las texturas ambientales, este álbum multiplicó la paleta sonora del dúo de una manera que se vio capitalmente lograda en su tercer disco These Promises Are Being Videotaped, que salió al año siguiente. Expansivo, viajero y etéreo, se trata del mejor álbum de El Ten Eleven hasta la fecha, al menos hasta antes de que lleguemos a lo que queremos mostrarles. Antes de esto, vale mencionar que en 2010, dos años después, salió It’s Still Like A Secret, interesante álbum de transición. Y la transición fue hacia aquí, hacia un disco que precisamente se llama Transitions y que se editó el 2 de octubre de este año. Pletórico de bellas melodías, Transitions es un compendio de todo lo mejor que puede hacer El Ten Eleven, con ese peso melódico sumado a una interesante experimentalidad rítmica a causa de esta mezcla entre las baterías electrónicas y las acústicas, tocadas con sutil y veloz magistralidad. Resulta llamativamente agradable que el dúo no caiga en la obviedad de la jactancia del virtuosismo para rellenar su sonido sino que opte por el minimalismo, por la sencillez del sonido generando así capas de climática belleza, paisajes de ensueño y melodías llevaderas que no nos hunden en un miasma experimental sino que nos enganchan inconscientemente y nos llevan adelante en un viaje rico en texturas.

Aventúrense, entonces, para llegar a contener al menos algo de lo mucho efímero con lo que nos cruzamos en nuestros días.

Peces Y Pájaros - A Los Futuros Habitantes de La Luna - Oriundos...

Thu, 20 Sep 2012 13:38:00 -0300

Peces Y Pájaros - A Los Futuros Habitantes de La Luna

Oriundos de: Córdoba, Argentina.

Rockean desde: ????.

Otros Discos: Este es su disco debut.

El disco en 855 caracteres:

Les traigo un disco nuevo dentro del under nacional para ver si revivimos este muerto blog, desde la ciudad de Córdoba llego a mis oídos el muy lindo disco de los pibes de Peces y Pájaros, una banda de indie rock formada por Adrián Boudet, Agustín Neme, Augusto Ochoa y Lucas Mazzola.

Si bien es una banda de rock como lo demuestran en el primer y gran tema del disco Bosque (Hombre Bueno), juegan a tocar otros generos musicales como un aire a country en Colibrí el tercer tema del disco, tambien melodias alegres que me hicieron pensar en The Cure -ojo que capaz no sean nada que ver, pero me hicieron pensar en ellos- en temas como Fotos de un viaje (1989), tintes de rock volado en el ultimo tema del disco No Sos El Mismo / Esperanza y experimentacion en los interludios Ambulancia Al Cosmos.

Muy lindo disco, esperemos verlos pronto por capital.

Duración total del disco: 45 minutos // Cantidad de temas: 11.

Puntaje: 7 // Temón: Bosque (hombre bueno).

Link: Lo toman sin soda por que así pega mas, pega mas (?).

Swans - The Seer - Oriundos de: New York, USA. Rockean...

Mon, 10 Sep 2012 13:40:05 -0300

Swans - The Seer

Oriundos de: New York, USA.

Rockean desde: 1982.

Otros Discos: Filth (1983), Cop (1984), Greed (1985), Holy Money (1986), Public Castration Is A Good Idea (1986), Children of God (1987), Feel Good Now (1987), The Burning World (1989), Anonymous Bodies In An Empty Room (1990), White Light FRom The Mouth Of Infinity (1991), Love Of Life (1992), Omniscience (1992), The Great Annihilator (1995), Real Love (1996), Soundtracks Of The Blind (1996), Swans Are Dead (1998), My Father Will Guide Me Up A Rope To The Sky (2010), We Rose From Your Bed With The Sun In Our Head (2012).

El disco en 5722 caracteres por Pablo Díez Sánchez:

Cuando Michael Gira confirmó la vuelta de Swans tras más de una década de silencio con My Father Will Guide Me Up a Rope to the Sky, muchos fueron los que dudaron del buen hacer de una de las mejores bandas de experimental rock, noise y post-punk de la historia, pero al escuchar piezas como ”Jim” o ”No Words/No Thoughts”, todas esas dudas se disiparon como un azucarillo, firmando un regreso notable y dejándonos con ganas de más. Por suerte la organización del Primavera Sound decidieron que tenían que pasarse por el festival catalán para que el público del festival pudiese ver uno de los grandes reencuentros de los últimos años y ellos no fallaron, entregando para algunos el mejor concierto de aquella edición. Ahora Michael Gira vuelve con nueva obra con estrellas invitadas como Karen O de Yeah Yeah Yeahs!, Alan Sparhaw y Mimi Parker de Low, el experto en creaciones ambientales oscuras que es Ben Frost o los folk-rockeros psicodélicos, Akron/Family. Todos ellos ponen su voz (con la excepción de Frost, claro) en alguno de los temas que nos podemos encontrar en The Seer, el disco mastodóntico de 2012 gracias a sus casi dos horas de duración, y sin duda uno de los mejores discos lanzados durante lo que llevamos de temporada.

Al ver que un disco tiene dos horas de duración, a más de uno podrían empezar a entrarle temblores. Y es que sentarse delante del reproductor y dedicarle el tiempo necesario a un álbum en los días de estrés y prisas en los que vivimos resulta una tarea altamente complicada, pero si un disco merece ponerse cómodo y degustarlo con la tranquilidad necesaria, ese sin duda es The Seer.

En esta nueva obra del grupo estadounidense nos encontramos con dos CD’s. El primero de ellos se abre con ”Lunacy”, un aperitivo de más de siete minutos que sirve para que tomemos conciencia de lo que escucharemos a continuación. En ella el drone se mezcla en una primera fase en la que el rock sirve como principal reclamo, y en la segunda, los miembros de Low hacen que la pieza suena más relajada, acercándose de manera clara al folk y en la que nos muestran las directrices que tomará el compacto durante la reproducción. Posteriormente llega ”Mother of the World”, en la que el drone parece que volverá a ser el protagonista, pero en el centro del corte se vive un cambio radical, volviendo a lo que fueron los orígenes de Swans allá por los 80 en discos como Children of God o Filth, con el que debutase hace casi veinte años y encaran una parte más noise rockera y post-punkie de su música. Después de casi veinte minutos de emociones fuertes, deciden darnos un respiro con la interpretación de ”The Wolf”, en la que en minuto y medio de duración nos transportan al medievo, en un corte que me recordó bastante a ”The Rains of Castamere” de aquel tema que The National hicieron para los Lannister en la famosa serie de HBO, Juego de Tronos. Tras ello llega el momento cumbre tras el que gira esta aventura, ”The Seer”, la que da nombre a la obra y la de más duración, ni más ni menos que algo más de media hora musical demoledora. Gaitas, ruletas, algo que parece una taladradora,campanas, una armónica desesperanzadora y pura crudeza que navega entre el rock experimental, el progresivo, el post-rock y un final cercano al blues debido a su tremenda sensualidad. Impecable. No contentos con ello, el vidente decide volver en ”The Seer Returns”, en la que la sensualidad de su hermana mayor sigue mostrándose impecable, ofreciéndonos una pieza totalmente diferente al resto de lo que podemos encontrar pero manteniendo los mismos resultados. ”93 Ave. Blues” suena descoordinada, con Michael Gira Balbuceando entre ritmos inconexos en el que resulta ser el corte más experimental de todos, pero también uno de los que más cojean.

El primer CD termina con ”The Daughter Brings the Water” en la que el folk oscuro se ceba en el sonido de la banda, creando una sensación melancólica en el oyente.

Karen O, vocalista de Yeah Yeah Yeahs! se encarga de abrir el fuego en ”Song For A Warrior”, en la que el olor a vacas y campo lo abarca todo y que le queda niquelada a la estadounidense en algo que podríamos calificar como una balada que se mueve entre lo etéreo, lo gótico y el country. Las campanas vuelven a repicar con la llegada de ”Avatar”, una composición de tintes épicos e industriales en la que el post-rock se hace dueño y señor durante gran parte del tiempo consiguiendo una ambientación impactante y culminada de forma esplendida por Gira. Con la llegada de ”Piece of the Sky” vuelven a a parecer en liza dos viejos amigos de la banda, Los que se muestran en esta ocasión son auténticos expertos en atmósferas. Jarboe, miembro fundador del grupo, los folk-rockeros psicodélicos de Akron/Family y el princípe (el rey siempre será Tim Hecker) de la ambientación oscura que es Ben Frost. Fuego, llamas, chispas…de esa forma arranca los casi veinte minutos de permanentes giros musicales. Al principio parece como si se hubiesen reencarnado en los Animal Collective de Here Comes the Indian, para después irse acercando a una faceta más orgánica. Para finalizar llega otro coloso, ”The Apostate” que pone punto y final a la obra y en la que se mezcla el noise y el post-rock con maestría sirviendo como gran final al álbum.

Pese a que sea un trabajo complicado de asimilar, The Seer es una obra impresionante en lo musical y en la producción también. Aunque tiene algún que otro punto negro que se muestra con fulgor y que hace que descienda un tanto su nivel. Pero pese a elllo se muestra como uno de los referentes del año y como uno de los experimentos más arriesgados en los últimos años en el mundo de la música demostrando que si quieren, Swans tienen cuerda para mucho tiempo.

Duración total del disco: 119 (!) minutos // Cantidad de temas: 11.

Puntaje: 8 // Temón: Mother Of The World.

Link: Son dos archivos.

Fiona Apple - The Idler Wheel Is Wiser Than the Driver of the...

Sat, 08 Sep 2012 16:13:00 -0300

Fiona Apple - The Idler Wheel Is Wiser Than the Driver of the Screw and Whipping Cords Will Serve You More Than Ropes Will Ever Do

Oriundos de: Manhattan, USA.

Rockean desde: 1977.

Otros Discos: Tidal (1996), When The Pawn… (1999), Extraordinary Machine (2005).

El disco en 2191 caracteres por Iñigo Piñeiro:

El de Fiona Apple es un caso raro. Ha vendido más de cinco millones de discos en Estados Unidos sin hacer ni una sola concesión a la industria mainstream y siguiendo un ritmo de trabajo poco usual en estos tiempos (ha publicado 4 discos en 16 años, con un intervalo de hasta 7 años entre sus dos últimos álbumes). Una forma de moverse por la industria que no solo no ha mermado su reputación, sino que la ha ayudado a convertirse, sin mucho ruido ni grandes artificios, en una de las artistas más estimadas por la prensa de copete y el público de criterios sólidos, que, por increíble que parezca, existe.

Atrás quedan sus poses sobreactuadas, sus declaraciones extemporáneas y sus irritantes rabietas en el escenario. Hace tiempo que Fiona se dio cuenta que un cruce entre Tori Amos y Courtney Love era un personaje inverosímil y se ha centrado en sacar brillo a su personalidad musical: esa que la aúpa como una de las compositoras más audaces del pop actual

Las diez canciones que componen su cuarto álbum, con el modesto título de ‘The Idler Wheel Is Wiser Than the Driver of the Screw and Whipping Cords Will Serve You More Than Ropes Will Ever Do’, muestran a Fiona en plenitud. Con un dominio absoluto de su talento para las melodías sincopadas, siempre guiadas por un piano que parece enfadado, atolondrado, pero que de un modo casi mágico desemboca en pasajes de una rara pero reconfortante emoción.

Acompañada en la producción por el multiinstrumentista Charley Drayton, temas como “Daredevil”, “Jonathan” o “Periphery” suenan austeros pero incontenibles, aún despojados de los arreglos abigarrados (aunque induscutiblemente bellos) de los que tanto se benefició en sus trabajos con el gran Jon Brion.

Pero ya no necesita de respaldos ornamentales. Las nuevas canciones no solo se sostienen a la perfección sobre la base del piano y las percusiones cimbreantes, sino que ganan en profundidad, elevando el mensaje, produciendo sensaciones casi insólitas. Como si la sobriedad apasionada, el arrebato contenido, de canciones asombrosas como “Left Alone” o “Hot Knife” nos anticipara una nueva forma de acercarse a la música: como una celebración de la sangre una vez curada la herida.

Duracion total del disco: 42 minutos // Cantidad de temas: 10.

Puntaje: 6 // Temón: Daredevil.

Link: Aca.

Good Old War - Come Back As Rain - Oriundos de: Laghorne,...

Tue, 14 Aug 2012 15:45:20 -0300

Good Old War - Come Back As Rain

Oriundos de: Laghorne, USA.

Rockean desde: 2008.

Otros Discos: Only Way To Be Alone (2008), Good Old War (2010).

El disco en 2183 caracteres por Pablo Porcar:

Subes a la terraza de tu casa un domingo al mediodía. Día despejado, sol radiante, diario deportivo y un paquete de Marlboro. Todos los astros se alinean para que disfrutes de uno de esos momentos que bien se merecen el calificativo de “momento perfecto de relax”. Bueno, todos los elementos no concuerdan, falta la banda sonora. Coges el reproductor de mp3 y buscas un artista que se adecue a la situación. ¿Jimmy Eat World? No. ¿Surfact? Demasiado duros, quizás. ¿She & Him? Tampoco. Es en ese momento que piensas “¿Y si me lanzo a probar “Come Back As Rain” de Good Old War?”. Y lo haces. Y, casi sin querer, das en el clavo.

Hay algo de este disco que me tiene, al menos relativamente, hechizado. Está claro que es un LP costumbrista, si. Los de Philadelphia han continuado con ese buen folk que ya destilaron en sus dos anteriores LPs – “Good Old War”, “Only Way To Be Alone” – y que parece encontrar su momento de eclosión total en este “Come Back As Rain” que tiene auténtica perlas de menos de cuatro minutos de duración. Una de ellas es ‘Amazing Eyes’, tercer tema del disco que pese a ser muy sencillito tiene una deliciosa aura que lo hace ser un corte especial. Probad la versión en directo, que se asemeja tremendamente a la de estudio:

El single ‘Calling Me Names’ es quizás lo más conocido de este tercer trabajo de los estadounidenses. Entendemos que esto sea así (de hecho hasta cuenta con un bello videoclip y todo) pero consideramos que la chicha está en otro lado de un “Come Back As Rain” que, pese a ser demasiado lineal, tiene su qué. ‘Not Quite Happiness’ es otro gran corte que tiene ese punto caluroso, exquisito y vibrante que lo hacen ser una pieza francamente brillante. O ‘Present For The End Of The World’, que sirve como perfecto colofón para un disco que sirve como un adecuado compacto para tener en cuenta de cara a nuestros momentos de máxima tranquilidad.

Si eres de los que adoras el folk divertido y veraniego, “Come Back As Rain” es una de las primeras propuestas de este año para tener en cuenta de cara al veranito que se avecina. La alegría siempre se acaba contagiando con unos chicos que siempre van con una amplia sonrisa por delante.

Duracion total del disco: 32 minutos // Cantidad de temas: 9.

Puntaje: 5 // Temón: Amazing Eyes (posta que esta bueno).

Link: Para el que hizo la review el disco era un 77/100.

Young Magic - Melt - Oriundos de: Brooklyn, USA. Rockean desde:...

Tue, 14 Aug 2012 15:25:01 -0300

Young Magic - Melt

Oriundos de: Brooklyn, USA.

Rockean desde: 2010, ponele que por ahi.

Otros Discos: Este es su disco debut..

El disco en 3170 caracteres por Marco Avre:

Para poder adentrarse a Melt, el álbum debut deYoung Magic, es necesario tener una percepción de un “álbum” más allá de los formatos que tradicionalmente se conocen; por un lado tomar en cuenta que no se trata de un disco lleno de material nuevo, pero tampoco es una compilación, es un híbrido que incluye material que ya habíamos escuchado desde hace un par de años, amalgamado con canciones nuevas -en su mayoría cortísimas- pero que sorprendentemente le dan a Melt un sello distintivo que suena, de hecho, como un álbum concebido en un mismo espacio y tiempo.

Grabado en diferentes partes del mundo e influenciado por ritmos tan distintos como tambores africanos, un poco de trip hop e incluso dubstep, Melt es una mezcla de influencias definida por las raíces de sus integrantes, dos australianos y un nativo de Indonesia quienes han visitado y vivido en varias partes de distintos continentes, incluyendo México.

Esto resulta, invariablemente en una diversidad de sonidos tan extensa, que puede ser un mérito o jugar en su contra, mientras “Sparkly” que abre el disco, tiene un tratamiento muy radio friendly (no es de extrañarse que sea elegido como el primer sencillo oficial) piezas más agresivas y contundentes como “You With Air” llegan a sentirse un poco fuera del contexto del álbum en general.

La cadencia y el orden de las canciones, podrían bien relatar una caminata nocturna de la mano de un guía de alguna tribu africana, los ritmos tienen un toque oscuro que incitan a la cacería y las imágenes que la música despierta, siempre están relacionadas con elementos naturales, llámese fuego o agua.

“Night in The Ocean”, una de las protagonistas del álbum, se explica sola desde el título y cumple con transportarnos a alguna bahía en el imaginario de los Young Magic donde los coros arrastran con la melodía completa y nos dejan arrullados para recibir la segunda mitad del disco.

Después del primer climax del álbum, “The Dancer” se presenta como el líder de la tribu, probablemente no sea el más vivaz, pero sin duda tiene la confección sónica de una canción con varios cientos de años de edad, la influencia africana de nuevo se hace presente, pero esta vez mucho más justificada, mucho más planeada, tiene lugar en la canción y no se toma prestada con el mero objetivo de que la canción encaje en el disco. “Sanctuary” le acompaña en otro momento mágico, anunciando el declive del disco que cierra con “Drawing Down the Moon” concluyendo con un sonido más ad hoc a la era en que vivimos, la era del sobrevalorado dubstep, con apenas salpicaduras del género que suenan tan obvias que probablemente hubiera sido mejor idea no incluir la pieza en el álbum.

En general Melt es un buen álbum para quien extraña esos días de experimentación en la música independiente que no incluyan las ya desgastadas influencias de la electrónica de los 80s, amoldándolas para que quepan en algún género hypeado, como el chill wave. Melt es un extraño juego de ritmos y melodías que a veces sorprenden y otras tantas decepcionan y sin embargo, pintan un buen camino que Young Magic deberá pulir y girar si quieren construir una carrera con más de un álbum en su historia.

Duracion total del disco: 34 minutos // Cantidad de temas: 11.

Puntaje: 6 // Temón: Nigth In The Ocean.

Link: Un trio peposo.

Patrick Watson - Adventures In Your Own Backyard - Oriundo...

Tue, 14 Aug 2012 15:14:00 -0300

Patrick Watson - Adventures In Your Own Backyard

Oriundo de: Montreal, Canada.

Rockea desde: ????.

Otros Discos: Waterproof9 (2001), Just Another Ordinary Day (2004), Close To Paradise (2006), Wooden Arms (2009).

El disco en 3345 caracteres por César Muela:

No todos escuchamos la misma música, y, aunque compartamos el gusto por las mismas bandas o tengamos las mismas listas de reproducción, la manera en la que escuchamos también es distinta. Haced un rápido recuento de todos los dispositivos posibles y de las diferentes situaciones en las que podemos escuchar un disco. Cambiando simplemente de modelo de auriculares, la experiencia musical dista bastante entre sí.

Una de las labores más complejas dentro del mundo del sonido es conseguir que un álbum suene bien allá donde se reproduzca. La grabación, la mezcla y la masterización son fundamentales en esta labor. Sin embargo, en los últimos años hemos observado cómo los home studio de los artistas se multiplicaban, haciendo posible que una banda pueda trabajar sin horarios y sin ningún tipo de presión más que la autoimpuesta. Aunque hay obras con un sonido para echarse las manos a la cabeza, también hay gratas sorpresas como Adventures in Your Own Backyard del grupo canadiense Patrick Watson.

Después de salir de gira para presentar sus dos últimos discos de estudio (Close to Paradise, ganador del premio Polaris en 2007, y Wooden Arms), la formación liderada por el cantautor que da nombre al grupo, podría haber elegido entrar a grabar su próximo trabajo en un gran estudio. Aunque no llegaron a saltar a la fama como grupos que beben de las mismas influencias, como Bon Iver, Arcade Fire o Andrew Bird, podrían habérselo costeado sin problemas. En lugar de eso, Watson y sus tres compañeros de banda decidieron grabar en el apartamento del vocalista. Y es una de esas decisiones que acaban jugando un papel importante en el resultado final de la placa.

Aunque la canción que da nombre a este disco comience con el sonido premeditado de una puerta cerrándose, lo cierto es que si escuchamos cualquier otro tema con unos auriculares y en un ambiente silencioso, apreciaremos sonidos típicos de una sala de estar, más que de un estudio profesional: pasos, movimiento de sillas, suelo de madera que cruje… La mayor parte de esos ‘efectos de sonido’ no se buscaron, pero se adaptan naturalmente al resultado global de cada canción.

“Lighthouse” tiene un inicio preciosista con unas notas de piano muy jazzeras. Justo después, la aguda y suave voz de Patrick irrumpe, creando un ambiente de serenidad que se contagia. Es como si hubiéramos mezclado a Bon Iver con Ludovico Einaudi o Yiruma. La calma sigue reinando hasta bien pasada la mitad de la canción, momento en el que desemboca en un momento épico, con sonidos que recordarán a las bandas sonoras de las películas de Tarantino.

Nadie podría imaginarse que temas tan intimistas como “Quiet Crowd”, venida seguro de una época anterior, o tan detallistas como “Morning Sheets” fueron grabados en un apartamento. Suenan tan bien y con una personalidad tan cálida y marcada, que no sé si habrían ganado encanto en un estudio profesional.

En líneas generales, lo que encontramos en este Adventures in Your Own Backyardes un recopilatorio de canciones indicadas para relajarse. Sin pretensiones, sin muestras de grandiosidad. Simplemente, los instrumentos que suenan, un buen equipo de grabación y muchas ganas de producir buena música han bastado a los chicos de Patric Watson para conseguir un álbum lleno de grandes armonías, ambientes y detalles de producción. No te lo pierdas.

Duracion total del disco: 47 minutos // Cantidad de temas: 12.

Puntaje: 7 // Temón: Adventures in Your Own Backyard.

Link: De a poquito te resucito el blog.

El Perrodiablo - El Espíritu - Oriundos de: La Plata,...

Fri, 10 Aug 2012 15:29:00 -0300

El Perrodiablo - El Espíritu

Oriundos de: La Plata, Argentina.

Rockean desde: ????.

Otros Discos: La Bomba Sucia (2007), Orgia Politicamente Correcta (2009).

El disco en 747 caracteres:

Luego de unas ¿merecidas? vacaciones en Peru vuelvo para compartirles el nuevo disco de El Perrodiablo, una de las mejores bandas de rock al palo de los últimos tiempos. La primera vez que me volaron la peluca fue en el recital de Los Ellos ese gran homenaje que le hizo el under a El Eternauta.

La formula de la banda es un cantante que cumple aceptablemente su rol vocal pero como showman la rompe toda (en Niceto no se canso un segundo de agitar y bailar en todos lo lugares posibles entre el publico), guitarras filosas, un bajo marcando muy bien el pulso y un batero que le pega con furia hasta generarle dolor a la batería. Eso es El Perrodiablo. Eso es el rock. Una patada en la frente.

El rock no murió muchachos, bajen el disco y vean.

Duracion total del disco: 32 minutos // Cantidad de temas: 9.

Puntaje: 7 // Temón: Los Malditos.

Link: Raackaaandraaall.

Lightships - Electric Cables - Oriundos de: Glasgow, UK. Rockean...

Thu, 26 Jul 2012 13:58:00 -0300

Lightships - Electric Cables

Oriundos de: Glasgow, UK.

Rockean desde: 2007.

Otros Discos: Este es su disco debut.

El disco en 2976 caracteres por John Riley:

Lightships, como muchos sabréis, se trata del proyecto paralelo de Gerard Love, es decir, el 33,33 por ciento de Teenage Fanclub, una de nuestras bandas favoritas de siempre. ¿Qué quiere decir ésto? Pues que casi con toda seguridad, nos encontraríamos ante un producto de buena calidad, bien facturado y desde luego con un exquisito gusto por el Pop. No íbamos mal desencaminados. Electric cables (2012) es un disco muy bello, precisa y preciosamente facturado. Es algo así como el resultado de una reunión de amigos en un fin de semana en una casa en el campo que se juntan para tocar un repertorio totalmente nuevo para ellos, donde cada uno pueda aportar su granito de arena a las canciones, ya de por sí bastante compactas y bien elaboradas.

Esta “reunión de amigos” se compuso del propio Gerard Love, más Brendan O´Hare (batería seminal de Teenage Fanclub), Dave McGowan, guitarrista también habitual colaborador en directo de TFC; Tom Crossley, flauta (International Airport, The Pastels) y Bob Kildea, bajista de Belle and Sebastian. Es decir, amigos de toda la vida del entorno de Glasgow, que debe ser algo así como la patria chica del Pop-Folk sensible y bien elaborado.

Electric Cables es un buen disco, aunque no un disco de diez. Tiene muchos puntos positivos, pero algunas que otras lagunas que, afortunadamente, podemos pasar algo por encima. Sus canciones son grandes composiciones, como no podía ser menos de alguien que ha compuesto temas clásicos como Sparky´s dream o Star sign, auténticos himnos generacionales. Los temas de Electric cables son como remansos de paz en un oasis de Pop luminoso. Que nadie espere ya la energía de los primeros álbumes de TFC ni mucho menos la rabia Noise de aquellos trabajos. Ni siquiera el sarcasmo de muchos de sus temas. Los temas de Lightships hablan de las relaciones, del arrepentimiento, de sentimientos, y todas ellas fluyen como un riachuelo enmedio de un bosque primaveral: Two lines, Sweetness in her spark, Every blossom, The warmth of the sun, Girasol, Stretching out, Photosyntesis… son buena prueba de ello. Las guitarras no son las protagonistas del disco: donde pensaríamos encontrarnos con rasgueos distorsionados, lo hacemos con frases de flauta, con teclados etéreos y limpios, con líneas arpegiadas y con una instrumentación ensoñadora que es la que al final se adueña del disco.

¿Las objeciones al disco? No me gustaría decir nada negativo de un trabajo de un componente de TFC, pero precisamente esa ensoñación de la que hablaba es la que se adueña finalmente de este trabajo. Gerard Love se ha instalado en una cómoda tranquilidad que hace que casi todos los temas tengan la misma velocidad de crucero. Los ritmos se hacen a veces un tanto cansinos y repetitivos, lo que hace que una escucha total a Electric Cables se haga demasiado larga.

Por lo demás, si te gusta el pop elegante, luminoso, hedonista, de influencias sesenteras y desde luego, amas la música, Electric Cables puede ser tu disco.

Duracion total del disco: 40 minutos // Cantidad de temas: 10.

Puntaje: 7 // Temón: Sweetness In Her Spark

Link: Aqui.

Perfume Genius - Put Your Back N 2 It - Oriundos de: Seattle,...

Sun, 22 Jul 2012 17:24:00 -0300

Perfume Genius - Put Your Back N 2 It

Oriundos de: Seattle, USA.

Rockean desde: ????.

Otros Discos: Learning (2010).

El disco en 3762 caracteres por Farala:

Ni la imponente figura de Arpad Miklos ni la absurda (por vana y sin sentido por parte del portal de vídeos, claro) polémica entre Youtube y la promo del vídeo de ‘Hood’ han conseguido empañar lo más mínimo la realidad: Mike Hadreas, el alma mater bajo el pseudónimo de Perfume Genius ha escrito el que probablemente será uno de los singles más bonitos que escuchemos durante este 2012. Una canción que sabe mejor incluso escuchada en bucle, porque se convierte en un estribillo infinito que te marea pero nunca llega a dejar que te pierdas. Una canción que es pura sencillez, pero capaz de sobresalir frente a otras muchas que hemos escuchado ya en lo que va de año. Un tema que habla de la inseguridad en las relaciones amorosas, de lo mucho que puede llegar a pesar el bagaje de uno mismo en la vida de pareja y de lo peligroso que es creerse en demasía la imagen -positiva o negativa- que tenemos de nosotros mismos.

Semejante presentación no parecía predecir otra cosa que un gran disco, y ahora es el momento de que Perfume Genius demuestre si es capaz de revalidar la calidad de todo aquello que puso en el asador gracias a su disco de debut, ‘Learning’. Para ello intentó recrear el ambiente en el que compuso su debut, que parió en casa de su madre en Seattle, mientras se recuperaba de sus propios instintos autodestructivos, materializados en su adicción al alcohol y las drogas, a las que volvió tras la presentación de aquel primer álbum.

Pero al final parece que, tras alquilar una casa y pasarse el día entero comiendo pizza y jugando a la consola, se dio cuenta de que no podía seguir escribiendo sus discos en pretérito, y decidió mirar hacia delante. Y no, no nos referimos en absoluto a un titular tipo “Perfume Genius se pone optimista”, porque se puede mirar al futuro con toda la negatividad del mundo. Sí se nota, sin embargo, un cierto cambio en el registro del cantante, que firma un disco doloroso y triste, pero en el que también hay un pequeño resquicio para la esperanza.

Es por eso que ‘Put Your Back N 2 It’ tiene canciones dedicadas al amor y a la esperanza -siempre con un punto amargo, eso sí- pero también otras inspiradas en temas más peliagudos, como el suicidio (’17′) o como esa cinta pornográfica con la que llegó a obsesionarse y a la que ha dedicado una canción, ‘AWOL Marine’. Que nadie se piense que a su edad (desconocida con seguridad, pero alrededor de la treintena) Hadreas ha descubierto el porno: lo que más le interesó de esa grabación fue el antes y el después de los protagonistas, un hombre mayor y un par de chaperos, momentos en los que la cámara seguía encendida mientras tomaban drogas y uno de ellos contaba que se prestaba a grabar la escena porque necesitaba el dinero para pagar los tratamientos médicos de su mujer.

Y es que son la desesperación, las decisiones tomadas por necesidad y que luego te persiguen toda tu vida las que mueven el disco de Mike Hadreas. ¿Quién si no sería capaz de convertir un poema de Edna St. Millay Vincent en una canción sobre el sexo gay (‘Dirge’)? Es precisamente en la lírica, si tenemos en cuenta que la instrumentación y la producción del LP es de lo más austero (al final Perfume Genius se ha decantado por centrarlo todo en el piano, que es un instrumento que domina desde los siete años), donde reside todo el potencial del álbum: desde la preciosa canción de amor y sexo que es la que da título al álbum y que canta con su novio Allan, hasta la que dedica a su madre, ‘Dark Parts’. Una madre que una vez le preguntó a su hijo por qué no podía hacer nada “bonito” (entiéndase “bonito” en el concepto de madre) y para la que él escribió una de las frases más sobrecogedoras de todas sus composiciones: “I will take the dark parts of your heart into my heart”.

Duracion total del disco: 60 minutos // Cantidad de temas: 10.

Puntaje: 8 para Farala. 7 para mi. // Temón: Hood.

Link: Acas.

Beach House - Bloom - Oriundos de: Baltimore, USA. Rockean...

Sun, 22 Jul 2012 17:11:06 -0300

Beach House - Bloom

Oriundos de: Baltimore, USA.

Rockean desde: 2004.

Otros Discos: Beach House (2006), Devotion (2008), Teen Dream (2010).

El disco en 2335 caracteres por Raúl Guillén:

Aunque ‘Teen Dream‘ sea una cima creativa, no parecía descabellado pensar que ‘Bloom’, su continuación, rayara a la misma altura, como de hecho ocurre. La carrera de Beach House ha ido en una clara, prodigiosa proyección hacia arriba, y este nuevo álbum es un nuevo avance en la misma. En este cuarto disco se limitan a matizar y abrillantar todo lo bueno que ya encontrábamos en su predecesor, pero eso no supone en ningún caso un demérito.

Lejos de sonar reiterativo, es nuevamente fascinante. En ‘Bloom’ de nuevo encontramos ese juego entre guitarras ensoñadoras, teclados extraviados y coros fantasmales en el que siempre se han movido (no en vano, el corte oculto del álbum es un claro homenaje a sus primeros álbumes), una ya sublimada fórmula despojada aquí de ese punto de grandilocuencia y epicidad de ‘Teen Dream’, moviéndose hacia un sonido más nítido y cristalino que les hace luminosos y cálidos como nunca.

Como ellos mismos señalan, no rehuyen a hacer pop pero sí huyen de la obviedad y la mediocridad, y así lo muestran con estructuras atípicas, con melodías que parecen estribillos pero no lo son y puentes que no están en el lugar ortodoxo, algo así como un juego de espejos musical. Además, en ‘Bloom’ se percibe un mayor interés por los detalles, con innumerables pequeños arreglos en segundo plano que engalanan cada canción.

Y todo ese trabajo de orfebrería hace justicia a otra colección de canciones fabulosas, intachables. ‘Myth‘, tema que abre el álbum y que le sirvió de presentación hace unos meses, tiene un poderoso magnetismo que le hace destacar levemente sobre el resto, pero de cerca le persiguen ‘Lazuli’, ‘Other People’, ‘Troublemaker’, ‘New Year’, ‘The Hours’, ‘Wild’, ‘Wishes’… En ellas, Alex Scally y Victoria Legrand (que canta como nunca, equilibrando mimo y fiereza) han logrado su objetivo de transmitir, más allá de sus herméticas letras, un estado de ánimo en cada una de esas canciones.

Hacia su final, ‘Bloom’, adquiere un tono más solemne gracias a ‘On The Sea’, un crescendo erigido en torno a un sencillo piano, que quizá nos esté mostrando hacia dónde podrían dirigirse en futuros pasos. Pero por el momento es imprescindible recrearse en un álbum que, catapultados a los cielos por ‘Teen Dream’, nos sostiene extáticos en ese punto álgido, apurando al máximo este maravilloso sueño.

Duracion total del disco: 60 minutos // Cantidad de temas: 10.

Puntaje: 8,4 para Raul. 7 para mi. // Temón: Wishes.

Link: Re pitchfork es.

∆ - An Awsome Wave - Oriundos de: Leeds, UK. Rockean...

Thu, 19 Jul 2012 14:52:47 -0300

∆ - An Awsome Wave

Oriundos de: Leeds, UK.

Rockean desde: 2007.

Otros Discos: Este es su disco debut.

El disco en 967 caracteres:

Llega el un momento en toda banda de música donde los miembros tienen que pensar de que forma le complican la vida a los fans (?), estos muchachos eligieron llamarse ∆ o también conocidos como Atl-J por su comando en el OS Mac o simplemente como los boludos del triángulo (?). Aunque según nos cuentan los propios miembros de la banda, lo del triángulo no es ninguna boludez ya que significa “cambio” en ecuaciones matemáticas, la verdad, no tengo ni puta idea si esto es cierto, me la lleve toda mi vida a Febrero.

Estos boludos del triángulo se conocieron en la Universidad de Leeds hace unos cinco años y desde entonces se dedican a grabar caseramente con Garage Band sus locas creaciones y se podría decir que esto es una selección de sus mejores creaciones desde entonces y la verdad que se nota que hay tiempo invertido en la preproducción de este disco, por que suena tremendo y esta muy pensado.

Che yo tengo Mac y con Alt-J hago esto: ¶. Me estafaron! (?).

Duracion total del disco: 41 minutos // Cantidad de temas: 13.

Puntaje: 8 // Temón: Breezeblocks.

Link: Acá wachin.

Electric Guest - Mondo - Oriundos de: Los Angeles, USA. Rockean...

Thu, 19 Jul 2012 01:58:00 -0300

Electric Guest - Mondo

Oriundos de: Los Angeles, USA.

Rockean desde: 20??.

Otros Discos: Este es su disco debut.

El disco en 935 caracteres:

Y bueno gente, teníamos que volver a darles una de esas tiraditas que tanto les gustan (bueno, no esas). Hoy elegimos discos de indie medio poposo para terminar el mes bien bien putitos. El disco que le traigo hoy es una de la grandes y gratas sorpresas que me lleve este año, se trata de un duo angelino compuesto por los ignotos Asa Taccone y Matthew Compton pero producidos por el reconocidisimo Danger Mouse que la viene pegando con “disquitos” como El Camino de los Black Keys, cosas en Gorillaz, The Rapture y algunos otros.

El disco es una maquina de hits y no cae en ningún momento haciendo que temones como Troubleman de ocho (!) minutos de duración se escuche fácilmente y parezca un éxito radial. La verdad que te recomiendo muchisimo la descarga de este disco, que por ahora, da pelea para el premio al disco del año.

Aparte es fija que estos pibes el año que vienen son como Poncho o Gotye, veni a hipsterearla conmigo.

Duracion total del disco: 38 minutos // Cantidad de temas: 10.

Puntaje: 9 // Temón: Awake.

Link: Serán famosos, lo se.

Les dejo un compilado de la parte indie folk, folk y cosas de...

Wed, 11 Jul 2012 00:36:00 -0300

Les dejo un compilado de la parte indie folk, folk y cosas de putito de este blog. Vamos a ir tirando un par mas a lo largo del año.

The Chrome Cranks - Ain’t No Lies In Blood - Oriundos...

Tue, 10 Jul 2012 16:52:05 -0300

The Chrome Cranks - Ain’t No Lies In Blood

Oriundos de: Cincinnati, USA.

Rockean desde: 1988.

Otros Discos: Chrome Cranks (1994), Dead Cool (1996), Love In Exile (1997).

El disco en 722 caracteres:

Luego de colgarme un par de días estoy acá para traerles el nuevo disco de una banda que se formo a fines de los ochenta en Cincinnati pero se mudo a Nueva York para romper todo y saco tres discos en tres años consecutivos y ahora regresa después de un muy extenso parate, eh aquí señores, el ultimo disco de esta tiradita garagera.

Los oriundos del Cincinnati de Ohio tardaron casi 20 años en darnos un disco que solo por momentos supera la media. Es un buen disco de rock distorsionado con una notoria punk pero hasta ahí nomas. Se lo recomiendo solo aquellos que les guste este genero ya que los viejitos nos dejan lindos temas como el marcado tiempo de Let It Ring o la caótica Star to Star.

20 años no son nada (?).

Duracion total del disco: 35 minutos // Cantidad de temas: 9.

Puntaje: 6 // Temón: Star To Star.

Link: El ultimo garageoso.

Graham Coxon - A+E - Oriundo de: Rintler, Alemania. Rockea...

Sat, 07 Jul 2012 15:38:20 -0300

Graham Coxon - A+E

Oriundo de: Rintler, Alemania.

Rockea desde: 1969.

Otros Discos: The Sky Is To High (1998), The Golden D (2000), Crow Sit On Blood Tree (2001), The Kiss Of Morning (2002), Happiness In Magazines (2004), Love Travels At Illegal Speeds (2006), The Spinning Top (2009).

El disco en 6958 caracteres:

Antes de chorearle cruelmente a demidiscoteca queria avisarles que este capaz sea el disco menos garagero de esta tiradita pero que sin duda vale la pena que lo escuchen, ahora si, de quien hablamos David (?):

Hablamos de un muchacho que allá por 1989 se juntó con una banda que habían formado compañeros del Goldsmiths College londinense llamada Circus, que había perdido a su guitarrista original y necesitaba de su talento. Buena suerte para él hallar a estos muchachos, porque nunca más se fue (bah, casi nunca más) y la banda a la que le prestaba sus seis cuerdas se fue convirtiendo, en silencio pero a toda marcha, en uno de los grupos más importantes del rock inglés de los años ‘90, punta de lanza ellos de la que quizás fuera la movida más afamada en salir de Inglaterra desde el post-punk ochentoso, el brit pop. Obviamente que la banda de la que les hablamos es Oasis Blur, ese cuarteto liderado por el carilindo (?) Damon Albarn que tuvo en Graham Coxon -que de él se trata este post- a su fiel ladero, a la creatividad guitarrística necesaria para destacar a la banda por entre tantas otras de la misma época. El periplo de Coxon como el guitarrista líder de Blur duró unos cuantos años, ya que hasta el ‘99 -momento del hiato inicial del grupo- era el segundo al mando de la composición. El año anterior, ya demostrando que su intención era expandirse por fuera de las fronteras del brit pop y de su banda, Graham había escrito, grabado y editado prácticamente por las suyas las canciones de un folk-rock lo-fi notorio y descarnado que integrarían The Sky Is Too High, su primer disco solista, editado por la pequeña discográfica independiente Transcopic que fundó exclusivamente para sus propios lanzamientos. Este álbum, pese a ser recibido en silencio por la comunidad rockera británica, generó un notable cisma en las entrañas de Blur, enfatizado más aún por la salida, en 2000, del segundo disco en solitario de Coxon, The Golden D. Este álbum demostró la marcada diferenciación que existía entre la mentalidad musical de sus compañeros de grupo y la de Graham, ya que se trata de una colección de canciones (nuevamente compuestas, tocadas, grabadas y mezcladas por el propio Coxon) de un post-punk ruidoso, con guitarras estridentes y un sonido intencionalmente lo-fi. Para esa altura, los otros miembros de Blur (especialmente Albarn, con quien Graham siempre tuvo una silenciosa pero constante pelea por el liderazgo artístico y la dirección de la banda) estaban cada vez menos convencidos de que, terminado el momento de separación por el que estaban pasando, su guitarrista quisiera reunirse con ellos para volver a grabar. Esta sensación se trasladó, lógicamente, al público, y por eso sorprendió a muy pocos que allá por 2002, cuando Blur se reunió en Marrakesh para comenzar la grabación del sucesor de 13, Coxon confirmara que sus compañeros de banda le habían pedido que abandonase el proyecto. Poco le importó eso a Graham, igual, ya que en aquel momento estaba en una etapa particularmente creativa: después de The Golden D aparecieron, en años sucesivos, el melódico y sombrío Crow Sit On Blood Tree (2001) y el rockero The Kiss Of Morning (2002), primer disco en el que Coxon contó con una producción formal y una banda que lo acompañara, sugiriendo de manera nada disimulada que ya estaba listo para emprender una carrera en solitario.

Esta sensación quedó formalmente declarada cuando, en 2004, Coxon se reunió con el gran productor de Blur (y todo el brit pop, y mucha de la mejor música inglesa de los últimos años) Stephen Street, dando a entender que quería pasar de ser un solista indie a una figura reconocida en el ambiente de la música británica, cuestión que -a juzgar por su contribución a este movimiento- tiene bien merecida. Happiness In Magazines vendría a ser su primer disco como ex miembro de Blur. Editado por Parlophone (que ya a esa altura se había hecho con el catálogo de Transcopic) en 2004, mostraría una nueva y excitante faceta del talento inabarcable de Coxon al transformarlo de un solista oscuro y folk a un líder de banda de power pop, con grandísimas canciones y poderosas guitarras, con su voz bien al frente y mucha personalidad. Happiness In Magazines se volvió su disco más comercialmente idóneo, y pavimentó decisivamente la popularidad de la que Graham se sirvió para, dos años después, volver a aliarse con Street para otro disco pleno de grandes canciones, enormes ganchos y, por supuesto, toda la unicidad de la guitarra coxoniana: Love Travels At Illegal Speeds sería su mejor trabajo discográfico, una muestra extraordinaria de perfeccionismo pop con buenísimas canciones que le valió todavía más suceso en el ámbito de la música de su país y lo llevó incluso a tocar en festivales fuera del Reino Unido. Pero la mente de Coxon siempre está cambiando, y su discografía es la mejor muestra de ello. Después de una breve y accidentada reunión de Blur -en la que tuvo la necesaria probada de grandes escenarios, millares de público y demás excesos propios del mainstream- en 2009 el bueno de Graham volvió, aunque tangencialmente, a sus inicios en solitario. Porque The Spinning Top, su séptimo álbum de estudio, es una estupenda muestra del mejor folk inglés, un disco muy deudo de tipos como Nick Drake con una novedad: se trata de un álbum conceptual que recorre la vida de un hombre desde su nacimiento hasta su muerte. Imbuido de melodías y una calma permanente, se trata quizás del más acabado disco de los acústicos de Coxon, pero sería apenas una etapa. Porque después de tres años sin novedades de su parte, el siempre cambiante Graham nos sorprendió cuando, el pasado 2 de abril y a través de Parlophone, sacó su octavo álbum y nos volvió a asombrar. Porque el resultado de esos tres años sin novedades -en los que se dedicó a juntarla con pala (?) con Blur, claro está- fue una modificación absolutamente diametral entre su antecesor y este A+E que hoy les presentamos: si aquel era pastoral, calmo, conceptual y diáfano, este es caótico, sucio, guitarrero, filoso y oscuro. En efecto, Graham se cansó de hacer canciones de putito (?) y volvió a lo que mejor le sale: la distorsión y las ampulosas melodías. Temas llenos de ángulos y espinas como “Running For Your Life” (que encima tiene unos irresistibles ganchos, el mejor del álbum en la opinión de quien esto escribe) o la rockerísima apertura del disco “Advice” se entrecruzan con experimentaciones con la electrónica de una marcada oscuridad como “Meet+Drink+Pollinate” o “Knife In The Cast” en un A+E que muestra la faceta más plena de riesgos y ansias de novedad de un Coxon que nunca se detiene, que siempre está cambiando y que no deja de sorprender nunca, haciendo que cada uno de sus discos sea siempre un evento a esperar. En este caso, bien vale la espera, porque lo que aquí les ofrecemos es uno de los mejores álbumes de lo que va del año.

Que linda review me mande, parecida a la de demidiscoteca (?).

Duracion total del disco: 47 minutos // Cantidad de temas: 10.

Puntaje: 8 // Temón: Running For Your Life.

Link: Por aqui señores.